Crédit photo : Gionna Mottura
Accompagnée sur scène du duo musical Martin XVII, Charlotte Riondel explore les liens entre nourriture et émotion avec l’humour et le détachement de quelqu’un qui est bien dans son assiette. Au fil du spectacle, elle se dévoile, en nous ouvrant la porte de son frigo affectif.
Mue par une insatiable faim d’amour, la comédienne explore le désordre affectif de sa vie, débordant de rêves parfois périmés, et finit par dévorer devant nous, et avec nous, ses propres fantasmes. Elle rappelle ainsi que la nourriture est à la fois publique, liée à des rites sociaux fondamentaux, et particulièrement intime.
Mêlant rire et émotion, ce spectacle au titre inspiré d’un slogan de carte postale, aborde frontalement le rapport au corps et les innombrables injonctions sociales du paraître. Mots et musique s’y entrelacent pour raconter, à la manière d’une recette de cuisine, comment la nourriture peut devenir un palliatif émotionnel, parfois seul remède au vide existentiel.
« Dis-moi ce que tu manges, et je te dirais qui tu es » - Brillat-Savarin
Jeu et performance : Charlotte Riondel, Pascal Lopinat et Louis Riondel
Concept : Charlotte Riondel et Luca Depietri - KKundK, Biel/Bienne
Écriture : Charlotte Riondel
Dramaturgie : Luca De Pietri
Collaboration artistique et direction d’actrice : Clea Eden
Collaboration scénographie / Accessoires : Lucia Sulliger
Création sonore et musique live : Louis Riondel, Pascal Lopinat - Martin XVII
Accompagnement mouvements et corps : Ève Chariatte
Création lumière et direction technique : Gaël Chappuis
Régie et soutien technique : Guillaume Lachat
Costumes : Éléonore Cassaigneau
Administration : Lino Eden et Sophie Fontaine (Prod’Action)
Communication : Anouck Daudin
Teaser vidéo : Raphaël Piguet
Diffusion : Charlotte Riondel et Sophie Fontaine (Prod’Action)
Coproduction : Collectif Faune de Flèches et fOrum culture
Soutiens : Label + romand pour les arts de la scène, Ville de Bienne, Ville de Porrentruy, Fondation culturelle de l'AIB, Fondation Andomart
Crédit photo : Aline Zandona
Bien qu’elle n’existe pas, tout le monde en Suisse connaît Betty Bossy. Héroïne légendaire de nos assiettes (imaginée par une marque de margarine) elle occupe une place à part dans nos souvenirs. Grande autrice, elle décrit de nombreuses existences au travers de ses recettes, véritables tranches de vie.
Dans Signé Betty, des comédiennes créent un spectacle à la manière d’un repas, en suivant la recette. Dans l’ombre, la mise en scène choisit les ingrédients et les temps de cuisson des scènes qui défilent. Pourtant, suivre des indications n’est pas aussi simple qu’il n’y paraît. Et si la marge d’interprétation – la cuisine interne – était le secret de la saveur ? Alors chacune ajoute son petit grain de sel, ou son grain de sable.
Ce spectacle tisse des liens entre le théâtre, la petite et la grande cuisine, nos ventres et nos vies (sans oublier l’ananas sur la pizza). En questionnant avec humour la figure de la bonne ménagère véhiculée par la marque Betty Bossy, il valorise l’émancipation et nous rappelle que le chemin du cœur ne passe pas uniquement par l’estomac.
« Croyez-moi, mon impact va bien au-delà du cake imbibé au citron ou de l’émincé de veau à la zurichoise. » - Betty Bossi
Texte et mise en scène : Wave Bonardi, Julia Portier
Jeu : Wave Bonardi, Julia Portier, Agathe Lecomte
Collaboration artistique : Oscar Gómez Mata
Scénographie : Fanny Courvoisier
Costumes : Anna Cressaty Pacchiani
Lumières : Claire Firmann
Création sonore : Ivan Verda
Chargée de diffusion : Mathilde Babel Rostan, Atelier Gazelle
Production : Cie des Plaisantes
Coproduction : Théâtre de L’Orangerie
Soutiens : Fondation Caris, Commune de Lancy, Fondation Immobilière “Patrimoine”, Fondation Jürg George Bürki, Fondation Jubilé Mobilière, Fondation Jan Michalski, Fondation SIS, FEEIG – Action Intermittence, Commune de Vandoeuvres
Crédit photo : Félix Imhof
Chantal Bianchi nous convie à un moment hors du temps. Elle se livre et nous invite dans ses souvenirs : de ses racines helvétiques aux rencontres qui l’ont forgée lors de ses voyages en Amérique Latine, des tempêtes traversées jusqu’aux rêves qu’elle poursuit et qui l’illuminent aujourd’hui. Au fil des mots et de la musique, parfois ange et parfois démon, elle explore la figure maternelle dans toute son ambivalence, racontant des moments de vie charnières, servis par une parole puissante, vulnérable et espiègle.
Mélodies, chansons à textes et slams battent le cœur. L’onirisme et la musique nous font d’abord voyager et rêver avant une révélation brutale qui nous ramène à terre et creuse à vif la condition féminine.
Monstre Mama, concert-spectacle d’inspiration autobiographique, rend hommage aux mères. Fruit de trois ans de recherche sur la femme, ses luttes, ses aspirations et la sororité, cette création est l’aboutissement d’un parcours de vie. Accompagnée d’un violoncelle et d’une bande-son électronique, la comédienne alterne les récits et les chants pour dévoiler son histoire dans une succession de fragments d’images poétiques.
« Je suis un monstre qui chante (...) je viens vers vous avec un corps de femme et je ne vous dis pas tout. » - Chantal Bianchi
Conception, écriture, composition, chant, jeu : Chantal Bianchi
Violoncelle : Annabelle Rogelet
Arrangements et création bande-son : MÅHŮ
Dramaturgie : Lefki Papachrysostomou
Mise en espace et conseil artistique : Thierry Crozat
Direction technique : Gilbert Maire
Costumes : Fanny Buchs
Crédit photo : Aurelia Thys
Finisterre raconte le périple d’une navigatrice bretonne, Marcia Le Goff, partie seule à bord de son monocoque pour la course du Vendée Globe. Entre confessions à la caméra, appels avec ses proches et réparations techniques, elle raconte son aventure et dévoile ses moments de solitude et de doutes, de délire et d’embrasement dans cette course vertigineuse qu’elle mène avant tout contre elle-même. Lorsque sa caméra est éteinte, elle se mesure, minuscule, à l’océan gigantesque.
Dans le folklore marin, la femme porte malheur sur les bateaux. Si aujourd’hui de plus en plus de femmes s’engagent dans le nautisme, un sport qui se veut mixte, ce dernier est-il pour autant parfaitement équitable ?
Finisterre parle du dépassement de soi, de l’état brut de solitude, et de la façon dont le genre peut influencer et contraindre cette quête absolue de liberté. Il met en lumière certains dysfonctionnements et nous emmène dans le quotidien de la course au large.
« J’ai baptisé mon premier bateau Marie Morgane. C’était évident. Un nom de femme. Et pas n’importe laquelle ; la seule et unique qui se fraie un chemin à travers les flots. La Marie Morgane, chez nous en Bretagne, c’est la sirène. » - Marcia Le Goff
Ecriture et mise en scène : Coralie Vollichard
Jeu : Giulia Belet
Dramaturgie : Tamara Fischer
Collaboration artistique : Clémence Mermet
Scénographie : Fanny Courvoisier
Musique : Joséphine Maillefer
Lumières : Nicolas Mayoraz
Son : Timothée Giddey
Vidéo : Christophe Pithon
Régie : Sébastien Graz et Aline Catzeflis
Dans son roman Lettre à mon dictateur, l’écrivain vaudois d’origine roumaine Eugène s’adresse directement à Nicolas Ceaușescu, qui fut dictateur de la Roumanie pendant vingt-deux ans et dont le règne tyrannique a bouleversé sa vie et celle de ses parents. À travers cette missive, il décrit avec sincérité et humour son enfance, son parcours migratoire et son arrivée en Suisse en 1975, à l’âge de 6 ans. Il raconte, à hauteur d’enfant, ce drôle de pays dans lequel, lui, son frère et ses parents vont désormais vivre.
Il décrit surtout la trajectoire d’un peuple soumis à la dictature et comment celle-ci s’est imposée à travers un homme bouffi d’orgueil. En mettant en évidence le ridicule de Ceaușescu, il crée subtilement un parallèle avec des figures politiques d'aujourd'hui et rappelle que l'impensable peut à tout moment devenir réalité, que la liberté est un combat qui n'est jamais entièrement gagné.
Dans cette mise en jeu, l’auteur devient acteur et, se révélant un imitateur féroce, nous permet de vivre le texte à travers ses souvenirs. Il rend compte de l’ampleur et de l’absurdité du désastre vécu par le peuple roumain, l’importance de l’asile politique et la fragilité des droits humains.
« Chez un dictateur, la « chambre des vérités embarrassantes » est vide, puisque celui-ci ose tout et se donne tous les droits. » - Eugène
Texte et interprétation : Eugène Meiltz
Mise en scène : Christian Denisart
Collaboration artistique : Loredana von Allmen
Le roman Lettre à mon dictateur a reçu le Prix suisse de Littérature 2023, le Prix des librairies Payot et de la Fondation Bataillard ainsi que le Prix du Roman des Romands 2024.
Crédit photo : Julien James Auzan
Fertik est une aventure théâtrale effervescente qui part dans tous les sens pour, justement, tenter de le retrouver, ce sens. Entre concert qui dérape, conférence engagée et préparation foireuse d’un nouveau monde, les trois protagonistes, aussi touchants qu’à côté de la plaque, tentent de faire communauté, d’avancer ensemble, de créer et penser à trois. Malgré le chaos qui règne au sein de leur organisation et les conflits qui éclatent pour des broutilles, l’amour triomphe toujours et les bisous font perdre le fil de la dispute.
Comment aborder le changement, la fin de ce qu’on connaît, la peur de l’avenir ? Quels sont les outils pour affronter notre peur du changement et notre inertie ? Cette tentative désespérée de sauver ce qu’il y a de bon transpire l’échec et la défaite de toutes parts… Pourtant, on ressort de là avec une sensation positive et un peu plus d’optimisme.
Dans Fertik, Les Diptik décortiquent de façon tragi-comique les préoccupations de notre société en perpétuelle évolution. Par le rire, le trio désamorce les angoisses écologiques, la confusion face aux nouvelles technologies ou la crainte d’un futur apocalyptique. Nappé d’un univers sonore électronique dark, onirique et déjanté mêlant berceuses et chants révolutionnaires, ce spectacle est une véritable ode à la vie.
« Un jour j‘irai vivre en Théorie, car en Théorie tout se passe bien. » - Pierre Desproges
Jeu : Céline Rey, David Melendy et Cédric Blaser
Écriture et mise en scène : Céline Rey, David Melendy et Fanny Krähenbühl
Musique : Cédric Blaser
Création lumière : Robin Dupuis
Crédit photo : Claire Bochu
De la Star Academy à AC/DC en passant par Le Roi Lion, les deux conférenciers de Celle qui n’est pas maudite décortiquent William Shakespeare en général et Hamlet en particulier grâce à une approche analytique pas du tout sérieuse de ce chef-d’œuvre de la littérature anglaise.
Quoi de tel pour égayer un repas qu’une conférence pointue autour des personnages secondaires de l’une des œuvres majeures de Shakespeare, menée par deux éminents spécialistes de la Culture, avec un grand C ? Qui n’a jamais rêvé de déguster un curry de légumes en écoutant quelqu’un discourir sur le sens profond et fondamental dans Hamlet du parcours de Cornélius et Voltemand, ambassadeurs de Norvège, ou de la supposée amitié toxique entre Rosencrantz et Guildenstern ?
On n’en apprendra peut-être pas beaucoup plus sur Shakespeare, mais on est au moins sûr de passer un bon moment !
Depuis 2017, le WAOUW organise chaque année un dîner-spectacle de soutien en collaboration avec le semestre de motivation (SEMO) du Chablais. Après avoir décliné de nombreuses propositions dans la thématique de l’improvisation, l’événement prend une nouvelle tournure avec cette proposition de théâtre-conférence burlesque.
« Les bons morceaux restés du funèbre régal, on les a servis froids au banquet nuptial » - Hamlet
Écriture, jeu, mise en scène et régie : Jérémie Nicolet et Mathieu Fernandez-Villacanas
Événement organisé en partenariat avec le SEMO Chablais.
Tarif unique : CHF 90.- pour repas et spectacle (hors boissons)
Table de huit personnes : CHF 690.- (hors boissons)
Crédit photo : Konstantin Demeter
Pardonner est parfois salvateur, parfois impossible, parfois réparateur. Mais pouvons-nous et devons-nous tout pardonner ? Et que signifie vraiment le pardon, quelles en sont les limites ? Guidés par ces questions, deux comédiennes et un comédien mènent des interviews pour appréhender le pardon et magnifier la complexité des êtres.
Une victime qui a pardonné, une autre qui ne le pourra jamais, un criminel qui a été pardonné et - ainsi - transformé ; ces paroles sont redonnées sur scène à travers un spectacle qui explore également la dimension animale et monstrueuse de l’humain. Dans un décor de draps et de cartons, des êtres difformes émergent comme dans un cauchemar. De ces corps monstrueux jaillit la parole, de ces difformités naissent la beauté et la poésie, la lumière qui ramène à la douceur et au rire.
Et si le pardon révélait nos parts les plus humaines… et les plus monstrueuses ?
Dans un univers poétique fait de mouvements, de musique et de lumière, ce spectacle donne voix à celles et ceux qui ont pardonné — ou pas — pour sonder les abîmes et les éclats de beauté de l’âme humaine.
« Il faudrait savoir lire en chaque visage la belle grande nuit qu’il cache. Pleine de météores, de soleils enfouis, de solitudes, de douceurs errantes, de silences sans fin, de trous noirs, d'explosions muettes, d’impossibles à comprendre. » - Jean-Pierre Siméon
Jeu : Shannon Granger, Audrey Launaz, Jérémie Bielmann
Mise en scène : Jérémie Bielmann
Musique et son : Rémy Rufer
Éclairage : Laurianne Tissot
Scénographie : Araksan Laisney
